184亿的画竟是花80元收的!六招教你吃透山水画鉴赏!

　　在2015年的嘉德秋拍上，李可染先生创作的约3.1平尺《万山红遍》以5800万元起拍，最终1.84亿元成交。更令人意想不到的是这幅被称为史上最值得投资的画竟是荣宝斋40多年前花80元收的，这段传奇的“捡漏”阅历也成为拍卖史上的一段佳话!

　　如何在美不胜收的书画市场当选择出有收咨询15:90:08:31:17:4藏价值的山水画呢?小编整理了六个方面来教您如何识别:

　　(3)。传统山水画常把云和水作留白处置。白与黑，空与物，白与灰，灰与黑，就是的对比。但实处要实而不塞，要透气，要有“活眼”。如林风眠《秋山图》，如无中间的“活眼”，就是一盘“死棋”。

　　虚处要虚而不空，即使是空白，也要让它表示一种实体，既所谓“计白当黑”，这样才干“真生，无画处皆成妙境”。如宋代赵芾《江山万里图》，中间的留白，经过几只小船，却表现了迷茫广阔、江山万里的意境。

　　(5)藏露。画要给人留有想象的余地，一览无余，就没有情味了。因此作画要擅长运用“藏”的方法。郭熙说:“山欲高，尽出之则不高，烟霞锁其腰，则高矣。”“藏”，使人感到深邃莫测，从而给观者想象的空间，这就是“藏”的妙用。如张大千《黄海归来步步云》，就将的松树、山石躲藏在了云起之间，若隐若现。

　　(6)开合。开与合是相对的矛盾。有对立，画面才生动。开而不合，就会显得不稳和散乱。有开有合，才干相对稳定。

　　(7)节韵。即节拍与韵律。一幅好的山水画，是有节拍美和韵律美的。这不只表如今勾、皴、擦、染、点等笔法的运用上，也表如今整体的规划上，既要有变化又要有规律。如石涛《淮扬洁秋图》，画中的点既有大小、疏密、浓淡的变化，整体上又有一定的规律。

　　西洋画普通采用“焦点透视”，中国画采用的是“散点透视”，也叫“移动透视”。“焦点透视”就像一样，观察者固定在一个立足点上，只能把视域以内的东西拍摄下来。“散点透视”则是移动着立足点来中止观察的，所以不受视域的。

　　宋代郭熙在《林泉高致》中，把中国山水画的透视归结为“三远”，即“高远”、“深远”、“平远”。值得留意的是，在一张山水画中，常常是“三远”综合运用的。

　　(1)高远。“自山下而仰山巅，谓之高远。”也叫作“虫视”，即故意把自己放在低处，所看到的景物都是高大雄伟、气势磅礴，这种透视法宜于描画崇山峻岭。如北宋范宽的《溪山行旅图》。

　　(2)深远。“自山前而窥山后，谓之深远。”这是站在山前或山上远眺，并要移动视点才干看到的现象。这种透视法宜于表现幽静的意境。如清代王翚的《万壑千崖图》。

　　(3)平远。“自近山而望远山，谓之平远。”这是在“平视”中所得的远近关系。宜于表现开阔的南方山水。如元代倪瓒的《秋亭嘉树图》，就是经过视平线的上移，将画面的景物无限向远处延伸来展现的。

　　用笔与用墨，是国画入门的基础，是最能表现画家功底的问题，因此也是识别一张国画优劣的最主要的依据之一。

　　中国画是以线为主来表现造形达意的。因此看一幅国画用笔的好坏，主要是看这幅画中线条的好坏。古人提出“书法用笔”，即恳求画家在作画时要像写书法一样用笔。黄宾虹总结了前人的阅历，提出了“五笔”之说，即“平、圆、留、重、变”。

　　(5)“变”，一是指用笔要有变化，中锋、侧锋、逆锋、顺锋，根据需求见机行事;二是指运笔要彼此相让，互相呼应，气势衔接。

　　宋代韩拙提出:“用笔有三病:一曰板、二曰刻、三曰结。”所谓“板”，是指线条扁平，没有圆浑的平面感。所谓“刻”，是指笔划过于显露，妄生圭角。所谓“结”，是指行笔犹疑，线条不流利。其他还有枯、弱、光滑、草率等，都是山水画用笔的病忌。

　　墨色的变化，有“五彩”之说，即“焦、浓、重、淡、清”;也有“六色”之说，即“干、湿、浓、淡、黑、白”。不论是那种说法，无非就是讲墨色的变化无常。山水画用墨有三要:厚，透明，丰厚。

　　(3)“丰厚”，就是指墨色多变，层次丰厚。总之，看一幅山水画的用墨好不好，主要是看用墨能否有变化、有神韵，层次能否清楚、丰厚，能不能表现物象的平面感、质感和远近的空间感。如黄宾虹《青城山色图》。

　　传统国画着色多从物体固有的本性动身，很少思索光的影响和变化，所以用色相对西洋画来说比较单纯，具有清新明快的特性。根据山水画不同的种类，用色的恳求也有所不同。水墨山水根本不用色，就不说了。

　　在淡彩山水中，以水墨为主，颜色只起辅助作用，用色恳求“淡雅”、“清透”。要“墨不碍色，色不碍墨”。即墨足之处用色要油腻、透明，不让色了墨;浓的颜色要用在墨少之处，不让墨了色的清丽。这样，二者才干相得益彰。如李可染《千岩竞秀万壑争流图》。

　　在中国画当中，色与墨是交替互用的。在泼彩山水中，用色恳求色墨浑融，变化丰厚，不脏不浊。如张大千的《爱痕湖》。

　　不管是淡彩、重彩还是泼彩，用色都要有一个主调，不能紊乱、花俏。但在主调中又恳求变化，不能单调、呆板。总之，既要有对比又要调和统一。

　　山水画的技法很多，运用哪种技法，因物而异，因人而异，因画而异。看一张画中的技法用得好不好，主要是看这种技法在这张画中，能否能充分表现对象的“形”与“神”，能否能充分表达作者的“意”。

　　中国画的造境是从北宋的“人与自然对话”向元代“文人情怀表达”过渡的，特别是文人画里好的山水画，要有美的意境。意境是山水画的灵魂。一幅画，必需给观者留有联想和再创造的余地，能使观者遭到感染并引发自身生活感受的共鸣，感到言外意，弦外音，境外味，才算是有意境。

　　意境融合是感情与形象高度别离，抵达“情形交融”、“天人合一”的境地。王国维说:“至意境两浑，则唯太白、后主、正中数人足以当之。”可见关于诗来说，这是意境的最高境地了。而关于画来说，当是画家神来之笔的杰作了。

　　绘画与书法之间，关系总是密切的，元代赵孟頫“书画本来同”的意义是指中国传统文人绘画应以“写”代“描”，用书法的笔法来画画。自从书画相会那一刻起，中国画就发作了根本变化，变得愈加笼统、深沉，其主要特征就是书法的笔墨神韵愈加浓厚。笔墨的力度、韵律、质感，以及它无限，丰厚变化的外型才干，自古就为文人士大夫阶级所喜欢。

　　在画上有书法的意境和内涵，运用题诗或题跋来衬托画面，使画面的意境愈加幽远深化，这样一幅诗、书、画融合的艺术整体，才是给人以丰厚的美的享用优秀山水画作。、伟人之所以伟大，是因为他与别人共处逆境时，别人失去了信心，他却下决心实现自己的目标。